Natasja Kensmil (1941) "La gente suele reaccionar a mi trabajo diciendo que es espantoso, cruel y mórbido. Pero cuando camino por la calle, no veo otra cosa que eso: caos. A veces se siente como una celda de aislamiento a la que puedo retirarme y desconectarme del mundo exterior. En esos momentos de silencio, puedo procesarlo todo y establecer conexiones entre eventos, lo que me permite crear nuevas imágenes. Intento postergar lo más posible el momento de voltear la pintura. Este momento es crucial; tan pronto como la veo, me pregunto: ‘¿Es suficientemente buena? ¿Es una pintura? ¿Es lo suficientemente fuerte o es un despropósito?’ A veces me siento honrada cuando puedo decir que una obra realmente está terminada, que puede existir sin mí."
Maria Barnas (1942) "Hola mamá, soy Marieke. Quería preguntarte sobre aquel mueble que me dieron cuando me mudé. Es un mueble especial para mí, y tengo una idea de lo que quiero hacer con él. Mi plan es cortarlo completamente en serrín y hacer papel con él, en el cual quiero imprimir una historia sobre el propio mueble. Me parece un lindo proyecto, pero quiero saber qué piensan tú y papá al respecto. Si no están de acuerdo, quizás no lo haga. Ese mueble significa mucho para mí: solía estar en su cocina, y luego se convirtió en mueble para la televisión. Recuerdo haberme sentado allí de niña para dibujar, y probablemente escribí mis primeras letras en él. Mi hermano siempre dibujaba camiones sobre ese mueble, y de alguna manera contiene nuestra historia."
Rezi van Lankveld (1943) “La pintura en la que estoy trabajando aún no se siente bien. Llevo unas diez horas en ella, pero ahora dudo si irme a casa o continuar. Quiero que cada parte de la pintura esté en movimiento, pero aún no lo he logrado. A menudo tengo que descartar trabajo porque no encaja, y eso me irrita. Conservo solo las partes que se sienten bien, pero a veces pinto sin propósito y eso me frustra porque la pintura pierde su equilibrio. Cada paso al pintar es parte de un proceso mayor, incluso mezclar la pintura es importante. A veces, siento que la pintura me habla y me guía hacia algo, pero no puedo planearlo de antemano. El proceso es como una historia que se desarrolla mientras trabajo."
Ansuya Blom (1944) “Intento entender lo que ocurre, y lo hago trabajando. Trabajo rápido para comprenderlo por completo. No me pidas que explique exactamente cómo lo hago; no sigue una línea recta, para nada. Esta obra se llama Fragments R&B y es una especie de retrato. Hace algunos años me interesé en los informes de pacientes de Ludwig Binswanger, un psiquiatra de principios del siglo XX. Lo que me llamó la atención, y encontré extraño, fue que a pesar de documentar esos fenómenos, no se llega a entender bien la experiencia interna de los pacientes. Algunos escribieron sus propias cartas, que he incorporado en esta obra."
Germaine Kruip (1945) "Mis trabajos son sobre el movimiento, la interacción y el espacio. Quiero que la experiencia de quienes los ven o usan sea siempre renovada, incluso cuando alguien ya los conoce. Cada espacio que abordo es una oportunidad para descubrir algo nuevo y único, un equilibrio entre la luz y la sombra, donde todos los elementos que percibimos se relacionan con nuestra propia percepción de los límites. No pretendo guiar la mirada de nadie sino abrir una ventana para que cada persona construya su propia realidad a partir de lo que ve o imagina ver."
sábado, 2 de noviembre de 2024
Art Series 169 ___ Natasja Kensmil (1941) Maria Barnas (1942) Rezi van Lankveld (1943) Ansuya Blom (1944) Germaine Kruip (1945)
Art Series 170 ___ David Bade (1946) Sjoerd Buisman (1947) Rob Scholte (1948) Juul Kraijer (1949) Aernout Mik (1950)
David Bade (1946) "Curaçao es mi isla natal, aunque no crecí allí. Hace unos ocho años regresé y, junto con algunos colegas afines, fundamos un instituto de arte contemporáneo donde la educación y la enseñanza a jóvenes es fundamental. Invertir en esto me da mucha satisfacción; siento que tiene un valor añadido. Podría exponer mi obra en museos, lo cual otorga cierta fama, pero obtener esta respuesta directa de los jóvenes me da más satisfacción. Este proyecto surgió para una exposición importante en La Haya, junto con una comisión de la municipalidad para hacer una escultura para un patio escolar. La idea era crear algo funcional, que los jóvenes pudieran escalar o sentarse. A esta pieza la llamé ‘escultura de encuentro’. Durante los talleres con los estudiantes, noté su entusiasmo por hacer algo propio; esa participación hizo que valoraran la obra de otra manera. El resultado final me sorprendió; es un contraste fuerte con el edificio moderno donde está, algo que puede requerir tiempo para que los demás lo aprecien. Pero esa posibilidad de identificarse con la obra es lo que hace que valga la pena."
Sjoerd Buisman (1947) "Aquí ves una ilustración fascinante de cómo la naturaleza se adapta a la intervención humana. Hace unos 20 años, alguien puso alambre de púas alrededor de este árbol, y desde entonces el árbol ha ido encapsulándolo lentamente. Todavía puedes ver los contornos originales del alambre, pero el árbol ha crecido completamente alrededor de él. Esto muestra la fuerza de la naturaleza, que sigue creciendo a pesar de las barreras. Fenómenos como este siempre me han fascinado; los clasifico como ‘eventos plásticos’ en la naturaleza. A veces, tengo en mis manos un trozo amorfo de madera y, al mirarlo, algo hace clic en mi mente. Esa extraña transformación que la naturaleza provoca en estas formas me inspira profundamente. Suelo recolectar trozos de madera de diferentes diámetros y ritmo; esos patrones a menudo inspiran esculturas que quiero escalar o llevar al bronce para preservar. Mi trabajo muchas veces explora cómo la naturaleza acepta y se adapta a intervenciones como estas, y encuentro en ello una belleza escultórica que me impulsa a seguir explorando."
Rob Scholte (1948) "Tal como yo lo veo, las obras de arte en los museos en realidad no existen; solo se multiplican en las mentes de las personas a través de la reproducción. He encontrado muchas veces esta idea en el tema de los derechos de autor. Vivimos en un mundo lleno de propietarios legítimos de cosas e imágenes, mientras que no podemos evitar las imágenes que se nos presentan. Mi arte trata sobre revoluciones, sobre lo que puedes y no puedes ver, y sobre derechos de imagen y autoría. Por ejemplo, ¿qué sucede si algo sale mal en la impresión? Ese sentimiento de que algo está fallando a menudo se convierte en el tema de mi obra. Busco crear ánimo, una especie de empoderamiento, a través de mi arte. La historia de Dymphna, una santa que perdió la vida por lo que creía, me inspira profundamente. En mi trabajo he integrado ese mensaje de ánimo usando su nombre en dorado, y me esfuerzo por que mi pintura tenga ese mismo efecto de esperanza. No trabajo solo; desde 1986, colaboro con asistentes y voluntarios para hacer realidad mis proyectos, ya que obras de gran escala no podrían completarse solo en una vida."
Juul Kraijer (1949) "Practicar el dibujo de modelos diariamente me recuerda a tocar un instrumento a un nivel avanzado. Así como un músico debe practicar a diario para mantenerse en forma, lo mismo se aplica a mí con el dibujo. No se trata solo de técnica, sino también de observación y de traducir lo que veo en un plano. La anatomía debe ser convincente, pero no necesariamente exacta. La postura del cuerpo es funcional; es un medio, no un fin. Rara vez uso un modelo para mis dibujos; más bien, represento figuras abstractas del cuerpo humano. Aunque dibujo tanto hombres como mujeres, suelo elegir el cuerpo femenino porque está más cerca de mi propia experiencia. Mis obras son lo más neutrales posible, construidas con líneas de contorno, aunque en la realidad no vemos líneas."
Aernout Mik (1950) "Con mi exposición, quiero que los visitantes primero se den cuenta de su propio lugar físico. La luz cambia continuamente y deben decidir hacia dónde mirar, lo que genera cierta incertidumbre. Hay una placa de vidrio que se transforma de espejo a transparente; es la introducción ideal, porque desorienta al visitante y lo obliga a encontrar su posición, aunque no del todo. Es una experiencia que trata sobre el espacio en sí. En una sala con forma de arena, los visitantes adoptan la misma postura que los personajes en los videos, que no tienen sonido. La información se transmite sin palabras, solo con una corriente de imágenes, como pensamientos o sueños internos. Mi obra se enfoca en el poder y la impotencia, y casi siempre elijo lugares públicos donde las tensiones sociales están al límite. Lo interesante de un espacio como este es que se convierte en un espacio social donde todos participan."
Art Series 171 ___ Henk Peeters (1951) Niek Kemps (1952) Irene Fortuyn (1953) Jan Roeland (1954) Hans Eijkelboom (1955)
Henk Peeters (1951) "Este autorretrato lo hice a los 21 años, cuando fumaba en pipa, algo que, naturalmente, te daba cierto estatus. Al ver esta obra, noto una gran diferencia con lo que hago ahora. En ese entonces, era otra persona, como creo que todos cambiamos cada día. Hay un poema que dice: ‘una buena persona es alguien diferente cada día’, y siento que me representa bien. Mi obra, aunque diversa y de distintas épocas, sigue siendo parte de mí. Durante la época del movimiento Nul, del que fui parte, creábamos formas y patrones repetitivos, una uniformidad que era nuestro sello. Aunque he cambiado mucho, esa influencia persiste en mí. Hoy trabajo en lo que quiero, sin preocuparme por lo que los demás piensen. En aquel tiempo, queríamos cambiar el mundo; no sé si encontramos la solución perfecta, pero logramos cambios."¡
Niek Kemps (1952) "En mi juventud, sentía la presión de posicionarme, como si siempre tuviera que tomar una postura para pertenecer. Esto influía en quién era, en lo que decía y hacía. Probé muchas cosas y me encontré en lugares inesperados, como la academia de arte, donde descubrí un mundo totalmente nuevo para mí. El arte, y luego el teatro, abrieron nuevos horizontes, dándome un sentido de pertenencia que no había sentido antes. Aquí pude desarrollar mi creatividad y explorar límites tanto personales como artísticos. El lenguaje se convirtió en un elemento esencial en mi trabajo; descubrí que los títulos y los textos añadían capas de significado. Me fascinaba cómo las palabras podían dar nueva profundidad a la obra, creando mundos conceptualmente ilimitados."
Irene Fortuyn (1953) "Considero los museos como espacios donde la gente puede escapar de la rutina diaria. Pero, ¿por qué el arte tiene que estar siempre dentro de las paredes de un museo? ¿Por qué no llevarlo al exterior, al mundo que nos rodea? Así, el paisaje puede convertirse también en un lienzo, y todos pueden sentir y experimentar tanto el arte como la naturaleza. Holanda es, en sí misma, una especie de escultura creada por el hombre. Muchas decisiones sobre nuestro entorno se toman en oficinas, pero las personas que viven y trabajan en esos lugares tienen un conocimiento único y profundo de ellos. Este proyecto trata de hacer visible esa sabiduría local. Aunque el proceso puede parecer más teórico, el verdadero trabajo está en hablar con las personas, escucharlas y observar. Para mí, el arte no es solo el producto final que se muestra en una galería; el proceso de investigación y las conexiones que establezco son igualmente valiosos."
Jan Roeland (1954) "Cuando pinto, primero intento encontrar la composición adecuada, probando si la forma encaja en una esquina y cómo se relaciona con el resto. Cada forma tiene que estar en el lugar perfecto para crear tensión en la imagen, porque si no están bien ubicadas, la composición pierde su fuerza. Reviso la posición de las formas una y otra vez hasta que todo está en su sitio y el conjunto adquiere una coherencia que no es casual. A veces, añado líneas negras para reforzar una forma o ajusto los colores buscando equilibrio. Para mí, el color es determinante en una pintura; deben complementarse para formar un todo."
Hans Eijkelboom (1955) "Ponerse una chaqueta parece algo trivial. Para mí, con la mayoría de mis chaquetas es un acto pequeño, excepto con una que tiene un botón extra. Tomo mi cámara, guardo el disparador en el bolsillo y estoy listo para empezar a fotografiar. Lo que más me impresiona de la humanidad lo veo cuando camino por la Kalverstraat, observando a la gente y sus movimientos. Es un proceso elevado y poético, lleno de significado para mí. A la vez, trato de no ‘adornar’ mis fotos. Si una foto comienza a parecer más que una simple captura de un fenómeno, la saco de la serie, ya que distrae de lo que quiero expresar: inventarios y registros."
viernes, 1 de noviembre de 2024
The School of Commons (SOC) is an independent initiative that explores experimental approaches to learning, research, and knowledge-sharing.
It focuses on creating unconventional educational environments and methodologies that resist traditional pedagogical models. Through its unique methodology, Ways & Workings (W&W), SOC connects diverse themes, methods, and environments into a navigational framework. This methodology emphasizes reappropriation and adaptability, enabling its principles to be applied beyond the school's context, promoting inclusive and critical learning practices. SOC's Themes cover a range of topics, from "Radical Sharing" and "Hydrofeminism" to "Critical Healing" and "Dialogic Decolonial Pedagogic Practice," while its Methods include collaborative and performative practices such as "Live Action Role-Playing" and "Worlding." SOC also emphasizes specific Environments—social, virtual, or physical—like "Deep Hanging Out" and "EtherPort" to facilitate learning. Overall, the school prioritizes experimentation, non-hierarchical knowledge exchange, and the cultivation of new educational spaces.
https://schoolofcommons.org/making-public/ways-and-workings LAPIEZA 1928
The Eye of the Oracle
A being with a single eye that sees beyond the veil of reality. He speaks in riddles and rhymes, his words twisting like smoke in the air. Those who seek answers come to him, but rarely leave satisfied. For the truth he offers is never straightforward — a single eye sees too much, too far, and cannot focus on the present. He exists between moments, a witness to what was, what is, and what could be.
MELANCHOLIA____________::::::::::::: WHITENED FURNITURE SERIES__________________2002 2024_________ARTNATIONS 83 FICUS________LAPIEZA 1076
Melancholia: Whitened Furniture Series" (2002 – 2024), cataloged as LAPIEZA 1076 and part of "ARTNATIONS 83 FICUS," comprises 100 white-painted furniture pieces serving as memory objects. This series transforms everyday furniture into monochromatic sculptures, inviting contemplation on themes of memory and nostalgia. By painting the furniture white, Lloveras abstracts their original function and appearance, prompting viewers to reflect on the passage of time and the fading of personal and collective histories.
